Conçu par des femmes

L’histoire des Femmes de Design

Les femmes sont des artisanes depuis des temps immémoriaux, qu’il s’agisse de tresser des paniers ou des tissus, de fabriquer des poteries ou des bijoux. Cependant, leur reconnaissance au sein du canon occidental a été lente jusqu’à ce qu’une combinaison de changements sociétaux et d’études au cours des cinquante dernières années commence à inverser cette tendance. Les œuvres d’artistes et de designers du XXe siècle tels qu’Eileen Gray et Ray Eames sont aujourd’hui présentées dans les musées, les livres et sur le marché, mais leur présence est encore faible par rapport à celle des hommes. Que l’on se place dans une perspective nationale ou mondiale, les femmes sont confrontées à un écart persistant entre les sexes dans le domaine des arts. La reconnaissance, l’avancement et la rémunération sont toujours inférieurs à ceux des hommes, et les femmes de couleur sont celles qui travaillent le plus dur dans leur lutte pour l’acceptation et la reconnaissance.

Débuts

Pendant des siècles, les activités et les responsabilités des femmes tournaient autour du foyer. Dans les années 1890, les femmes des classes moyennes et supérieures ont commencé à jouir d’une plus grande indépendance vis-à-vis du foyer. Cette nouvelle génération a été décrite comme celle de la Nouvelle Femme, menant sa propre vie. Leurs talents naissants ont été mis en valeur dans le Women’s Building de l’Exposition colombienne de 1893 à Chicago ; le bâtiment lui-même a été conçu par l’Américaine d’origine chilienne Sophia Hayden, la première femme diplômée de l’école d’architecture du MIT. Le Women’s Building a été la première plateforme internationale à promouvoir les réalisations des femmes dans les arts visuels, même si elles étaient éloignées de celles des hommes.

De nombreuses femmes se tournent vers les arts en tant qu’activités socialement sanctionnées qui leur laissent la liberté de créer et même de gagner de l’argent. Certaines ont suivi des cours, créé des studios et rejoint des organisations artistiques. Si certaines de ces activités peuvent être considérées comme purement professionnelles, d’autres y voient un moyen d’atteindre un autre objectif : le professionnalisme. Avec l’augmentation du nombre de départements d’art dans les universités, un plus grand nombre de personnes ont commencé à considérer l’art, le design et l’enseignement artistique comme des objectifs de carrière viables. Maria Longworth Nichols (plus tard Storer), qui a fondé la Rookwood Pottery en 1880, a fièrement proclamé que le tour du potier serait tourné par « le pouvoir des femmes ». Elle offrait aux femmes des possibilités de carrière professionnelle. Ce fut le cas de la créatrice britannique de céramiques Clarice Cliff. Un passage précoce en tant que décoratrice et des cours du soir à la Burslem School of Art l’ont conduite à une carrière de créatrice de formes en céramique portant des motifs abstraits et stylisés richement colorés. À son apogée, Cliff employait également jusqu’à 70 décorateurs, dont de nombreuses femmes.

L’émergence du design industriel
 
Lorsque le design industriel est apparu comme une discipline professionnelle dans les années 1920 et 1930, les femmes ont commencé à se faire une place dans ce domaine, mais elles ont néanmoins dû se battre avec des clients et des fabricants masculins dans un domaine qui ne leur était pas familier. La Cranbrook Academy of Art (fondée en 1932) a encouragé les femmes à devenir designers, en partie grâce aux femmes qui y enseignaient, notamment Loja Saarinen, qui dirigeait le département de tissage et du design de textile, et sa fille, Lisa (Pipsan) Saarinen. L’une des diplômées les plus brillantes de Cranbrook était Florence Schust Knoll, dont les conceptions de mobilier résidentiel et d’entreprise et les intérieurs sont une marque de fabrique du modernisme du milieu du siècle. Tout comme Knoll, Ray Eames, diplômé de Cranbrook. Les deux femmes ont épousé des hommes dans le domaine du design, ce qui a eu pour effet contradictoire de favoriser leurs débuts de carrière tout en occultant leurs talents individuels.

Travaillant à deux, Ray et Charles Eames ont combiné les avancées technologiques en matière de fibre de verre moulée et de contreplaqué cintré à la vapeur avec une esthétique moderniste pour créer certains des meubles les plus durables de leur génération. Des émigrés aux États-Unis comme Greta Magnussen-Grossman et Eva Zeisel ont apporté des contributions majeures au design d’après-guerre. Grossman, d’origine suédoise, a créé des meubles et des luminaires inspirés du Bauhaus pour des clients. Eva Zeisel, qui est née et a fait ses études en Hongrie, a apporté une esthétique biomorphique aux conceptions de céramique du milieu du siècle en collaboration avec les principaux fabricants.

Nouvelles Visions

Dans les années 1960 et 1970, les femmes artistes et designers sont devenues un groupe international talentueux, bien qu’encore sous-représenté. Certaines, comme la Finlandaise Maija Isola, ont créé des centaines de motifs textiles audacieux et colorés pour Marimekko, une entreprise internationale de mode et de décoration intérieure. D’origine italienne, Lella Vignelli et son mari Massimo Vignelli étaient des architectes et des designers qui ont émigré aux États-Unis. Sous le nom de Vignelli Associates, ils ont créé des identités graphiques d’entreprise, des emballages, des meubles, de la verrerie et de la vaisselle, le tout dans un style réducteur, élégant et coloré.

Design Contemporain

Vers la fin du vingtième siècle, les femmes designers et artistes ont commencé à adopter une diversité encore plus grande de matériaux et de formes. Le plastique, par exemple, était utilisé depuis longtemps dans le design industriel, mais les progrès réalisés dans la fabrication du plastique – qui lui confèrent flexibilité, malléabilité et transparence – ont suscité un regain d’intérêt pour ce matériau. Transformé en boîtes empilables, en corbeilles à papier, en meubles, en bijoux et bien plus encore, il a attiré des designers du monde entier, dont Laurene Boym, Matali Crasset, Monika Mulder et Ionna Vautrin.

Le Nouveau Millénium
  

Diplômées des nombreux programmes d’art et de design disponibles dans le monde entier, les femmes d’aujourd’hui jouent un rôle plus important dans le façonnement de l’apparence et de la convivialité de la vie moderne. Certaines disciplines, comme le textile, la joaillerie et la mode, continuent d’être privilégiées par les femmes, tandis que le cinéma, l’architecture et le design industriel sont souvent considérés comme un domaine masculin, mais la situation est fluide et encourageante. Le plus troublant est le fait que les femmes de couleur sont scandaleusement absentes de la scène, avec seulement des changements progressifs à signaler au cours des cent dernières années.

Les femmes sont plus nombreuses que jamais à diriger leur propre entreprise, la plus connue d’entre elles étant la défunte architecte irako-britannique Zaha Hadid. Front Design, composé à l’origine de quatre designers néerlandais, insuffle à son travail une excitation basée sur le mouvement, le processus et la surprise. D’autres designers indépendants, comme Johanna Grawunder, ajoutent du lustre aux entreprises de design avec leurs propres formes innovantes. Pour chaque femme qui dirige ou contribue à une grande entreprise, il y en a des dizaines d’autres qui travaillent sous contrat ou dans le milieu universitaire. L’une d’entre elles est l’artiste tchèque Eva Eisler, qui conçoit pour l’industrie tout en enseignant et en fabriquant des bijoux.

Le design du XXIe siècle est désormais une affaire véritablement internationale, ce qui est de bon augure pour les femmes, qui peuvent partager leur travail en ligne grâce à ce terrain de jeu horizontal. Bien que leur nombre ait augmenté, elles restent une minorité, et beaucoup travaillent sans la reconnaissance ou la rémunération de leurs pairs masculins. Néanmoins, la tendance continue de s’améliorer, avec des travaux audacieux et accomplis qui prouvent que les femmes designers sont là pour rester.