Conçu par des femmes

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Depuis des temps immémoriaux, les femmes fabriquent des paniers et des tissus, de la poterie ou des bijoux. Cependant, la reconnaissance de leur apport au design au sein du canon occidental a été lente jusqu’à ce qu’une combinaison de changements sociétaux, notamment dans le domaine de l’éducation au cours des cinquante dernières années, ont contribué  à renverser cette tendance. Les œuvres d’artistes et de designers du XXe siècle comme Eileen Gray et Ray Eames sont aujourd’hui exposées dans les musées, les livres et dans le commerce, mais  leur  présence est encore faible par rapport à celle des hommes. Qu’elles soient considérées d’un point de vue national ou mondial, les femmes font face à un écart persistant entre les sexes dans le domaine des arts. La reconnaissance, l’avancement et la rémunération continuent d’être inférieurs à ceux des hommes, et les femmes de couleur doivent encore aujourd’hui travailler plus fort  pour être acceptées et reconnues.

Le projet Designed by Women a pour but d’apporter une plus grande visibilité aux contributions des femmes du monde entier et de leur permettre de s’exprimer de manière visuelle. Il présente des œuvres d’art réalisées ou conçues aux XXe et XXIe siècles, en mettant l’accent sur des objets du milieu du XXe siècle à nos jours. Des exemples sont tirés du Musée des beaux-arts de Montréal et de la Collection Stewart de design moderne, objets rassemblés sous la direction de la mécène Liliane Stewart dans le but de promouvoir et sensibiliser le public aux réalisations des femmes dans les arts. Des plans sont en cours pour faire passer cette collection de son orientation actuelle, blanche et occidentale, à une collection d’envergure mondiale.

Pendant des siècles, les activités et les responsabilités des femmes ont tourné autour du ménage. Ce n’est que dans les années 1890 que les membres des classes moyenne et supérieure ont commencé à jouir d’une plus grande indépendance par rapport au foyer.  Cette nouvelle génération a été décrite comme celle de la Femme Nouvelle, caractérisée superficiellement par sa propension à faire de la bicyclette ou à fumer, mais essentiellement parce qu’elle menait activement sa propre vie. Leurs talents naissants se retrouvent dans les peintures murales, une « cuisine modèle » et une « salle des inventions » exposées dans le Women’s Building de l’Exposition colombienne de 1893 à Chicago ; le bâtiment lui-même a été conçu par Sophia Hayden, la première femme née au Chili à être diplômée de l’école d’architecture au Massachusetts Institute of Technology. Le Women’s Building a été la première plate-forme internationale à promouvoir les réalisations des femmes dans les arts visuels, même si elles sont éloignées de celles des hommes.

Beaucoup se sont tournées vers les arts comme des activités socialement sanctionnées qui les laissaient libres de créer et même de gagner de l’argent. Certaines ont suivi des cours, fondé des studios et se sont jointes à des organismes artistiques. Elles  ont exposé de la peinture sur porcelaine, des bijoux, de l’argent, de la poterie et des textiles de leur propre conception et fabrication. Alors que certaines de ces activités peuvent être considérées comme purement professionnelles, d’autres y voyaient un moyen d’atteindre une autre fin : le professionnalisme. Au fur et à mesure que le nombre de départements d’art au niveau collégial augmentait, de plus en plus de personnes ont commencé à considérer l’art, le design et l’éducation artistique comme des objectifs de carrière viables.

C’est le cas de la céramiste britannique Clarice Cliff, inspirée par sa tante, peintre à la main pour une entreprise locale de poterie. Une première expérience en tant que décoratrice ainsi que des cours du soir à la Burslem School of Art l’ont conduite à une carrière de designer de formes céramiques aux motifs abstraits et stylisés aux couleurs riches. À son apogée, Cliff employait jusqu’à 70 décoratrices, dont beaucoup étaient des femmes. 

Lorsque le design industriel est devenu une discipline professionnelle dans les années 1920 et 1930, les femmes ont commencé à faire leur marque dans ce domaine, mais elles se sont néanmoins débattues avec des clients et des fabricants masculins dans un domaine qui leur était peu familier. Fondée en 1932, l’Académie des Beaux-Arts de Cranbrook  a encouragé les femmes designers en partie à cause du personnel féminin qui y enseignait, y compris la designer de meubles Lisa (Pipsan) Saarinen et sa mère Loja Saarinen, qui a dirigé le département tissage et design textile. Florence Schust Knoll, l’une des diplômées de Cranbrook qui a connu le plus de succès, est l’une de ses diplômées, dont les meubles résidentiels et d’entreprise sont une caractéristique du modernisme du milieu du siècle dernier. Ray Eames, diplômé de Cranbrook, était semblable à Knoll. Les deux femmes ont épousé des hommes dans leur domaine, ce qui a eu pour effet contradictoire de leur permettre de débuter leur carrière tout en occultant leur talent  individuel. Travaillant en binôme, les Eames ont combiné les progrès technologiques de la fibre de verre moulée et du contreplaqué courbé à la vapeur avec une esthétique moderniste pour créer certains des meubles les plus durables de leur génération. Des émigrés aux États-Unis comme Greta Magnussen-Grossman et Eva Zeisel ont apporté des contributions majeures à la conception d’après-guerre. Née en Suède, Grossman a créé des meubles et des éclairages d’inspiration Bauhaus pour les clients qui ont visité son showroom Rodeo Drive. Zeisel, née et éduquée en Hongrie, a apporté une esthétique biomorphique aux objets en céramique en collaboration avec les principaux fabricants.

Dans les années 1960 et 1970, les femmes artistes et créatrices ont émergé sur la scène  internationale , quoique encore sous-représentées. Certaines, comme Maija Isola de Finlande, ont créé des centaines de motifs textiles audacieux et colorés pour Marimekko, une entreprise internationale de mode et d’aménagement intérieur. L’architecte et designer brésilienne Anna Maria Niemeyer a travaillé avec son père Oscar Niemeyer sur l’architecture civile et le mobilier pour Brasilia, la capitale fédérale. Avec son père, elle a conçu la chaise et le pouf « Alta », dont la structure audacieuse et incurvée en acier soutient un siège et un dossier rembourré en profondeur. Née en Italie, Lella Vignelli et son mari Massimo Vignelli sont des architectes et des designers qui ont émigré aux États-Unis. Travaillant en tant qu’associés de Vignelli, ils ont réalisé  la  signature graphique d’entreprises, d’emballages, de meubles, de la verrerie et de la vaisselle, la plupart dans un style réducteur, élégant et coloré.

Vers la fin du XXe siècle, les femmes designers et artistes ont commencé à embrasser une diversité encore plus grande de matériaux et de formes. Les plastiques, par exemple, étaient utilisés depuis longtemps dans la conception industrielle, mais les progrès en matière de flexibilité, de malléabilité et de transparence ont suscité un regain d’intérêt pour ce médium. Réalisé en boîtes d’empilage, corbeilles à papier, meubles, bijoux et bien plus encore, il a attiré des designers du monde entier, dont Laurene Boym, Matali Crasset, Monika Mulder et Ionna Vautrin. 

En tant que diplômées des nombreux programmes d’art et de design disponibles dans le monde entier, les femmes d’aujourd’hui jouent un plus grand rôle dans le façonnement de l’apparence et la perception de la vie moderne. Elles ont bénéficié de l’implosion du modernisme qui avait été hostile au design décoratif, longtemps tourné en dérision comme « féminin ». Certaines disciplines, comme le textile, la bijouterie et la mode, continuent d’être dominées par les femmes, tandis que le cinéma, l’architecture et le design industriel sont souvent considérés comme un domaine masculin, mais la situation est fluide et encourageante. Le plus troublant est le fait que les femmes de couleur sont scandaleusement absentes de la scène, avec seulement des changements incrémentiels à montrer depuis les cent dernières années.

Plus de femmes que jamais dirigent leur propre entreprise, la plus connue d’entre elles étant l’architecte iraquo-britannique Zaha Hadid. Front Design, composé à l’origine de quatre designers néerlandais, insuffle à leur travail une excitation basée sur le mouvement, le processus et la surprise. D’autres designers indépendants comme Johanna Grawunder ajoutent du lustre aux entreprises de design avec leur propre forme innovante. Pour chaque femme à la tête d’une grande entreprise ou qui y contribue, il y en a des douzaines d’autres qui travaillent à contrat ou dans l’arène universitaire. L’une d’entre elles est l’artiste tchèque Eva Zeisel, qui a dessiné pour l’industrie tout en enseignant et en fabriquant des bijoux. 

Le design du XXIe siècle est aujourd’hui une véritable affaire internationale, en partie grâce à l’Internet qui, par simple pression d’une touche, peut transporter des idées et des images dans le monde entier. Cela est de bon augure pour les femmes qui peuvent partager leur travail en ligne en utilisant ce terrain de jeu horizontal. Bien que leur nombre ait augmenté, elles demeurent une minorité, et beaucoup d’entre elles travaillent sans la reconnaissance ou la rémunération de leurs pairs masculins. Néanmoins, la tendance continue de s’améliorer, avec un travail audacieux et accompli qui prouve que les femmes designers sont là pour rester.